de adisson a kant

DE ADDISON A KANT: ESTÉTICA MODERNA Y ARTE EJEMPLAR

M. H. Abrams

El período que transcurre entre Addison y Kant fue de un interés sin precedentes para las bellas
artes, y también uno de expansión e innovación para las teorías filosóficas y críticas sobre las artes.
Los teóricos del siglo dieciocho habían heredado del Renacimiento el tratamiento aislado de cada
una de las artes, sobretodode la poesía, la cual los escritores, en su gran mayoría, explicaban
combinando los puntos de vista y los términos analíticos que habían encontrado en sus antepasados
griegos y romanos. Desde los tiempos de los griegos, las que llamamos “artes” habían sido
clasificadas junto con oficios tales como la carpintería y la cocina, y sólo de una manera ocasional y
en aspectos limitados, sevinculaban unas a otras. Durante el siglo dieciocho, sin embargo, las
diversas artes (especialmente la poesía, la pintura, la escultura, la música y la arquitectura) que,
obviamente diferían en sus medios y modos así como en las habilidades que se requerían para
realizarlas y en las ocasiones y funciones sociales que correspondían a cada obra de cada una de
esas artes, éstas llegan a ser sistematizadascomo las “bellas artes”, o simplemente, como “arte”.1
Por primera vez son entonces tratadas como una sola clase de productos, los cuales comparten un
rasgo esencial que las hace sui generis. Para mediados del siglo, Baumgarten había dado a
conocer la nueva ciencia y, para siempre, la había hecho parte de cualquier sistema filosófico que
pretendiera dar cuenta de nuestras principalesexperiencias y modos de entendernos con el mundo.
Para fines del siglo, Friedrich Schelling, en su Idealismo Trascendental (1800) hizo del proceso
dialéctico de la imaginación al producir una obra de arte, el concepto central y de control de toda
su metafísica - en sus palabras, “el organon general de la filosofía y la piedra angular de su
arco.”2
A pesar de estos drásticos cambios en la filosofíaprofesional del arte, las premisas de trabajo de
los críticos activos, durante una gran parte del siglo, siguieron siendo fundamentalmente
pragmáticas, basadas en la Ars Poetica de Horacio y en las teorías clásicas de la retórica, aunque
incorporando conceptos derivados de Aristóteles y de Longino. En términos generales: una obra de
literatura o de arte se concebía, ya lo había dicho Aristóteles,como una imitación, pero con
1

materiales seleccionados, alterados y ordenados para lograr unos fines predeterminados. Estos
fines perseguían conmover y dar placer a un público. La excelencia de una obra, dentro de su
género específico, se medía, teóricamente, por la clase y grado de su efectividad para despertar
emociones y hacer sentir placer. Un criterio básico era el de “verdad” o“fidelidad” hacia la
naturaleza imitada por ese arte; esta fidelidad, sin embargo,

no era verdadera sino una

“verosimilitud” o “probabilidad”, que es una verdad adaptada a la capacidad de respuesta de un
público. Esto significa que la gente, los objetos y los acontecimientos imitados por una obra, aún
cuando se salgan de la historia y violen el curso y la constitución conocida de lo natural,deben, sin
embargo, ser presentados de una manera en que resulten aceptables para el público, y para que
le parezcan tan creíbles como los del mundo, si es que la obra pretende lograr su justificado fin de
provocar emociones placenteras.

Hace casi tres décadas, en The Mirror and the Lamp me esforcé en hacer una crónica de los cambios
ocurridos en la teoría crítica, comenzando a fines delsiglo dieciocho con las orientaciones miméticas
y pragmáticas, y llegando a la orientación romántica o expresiva. Según este último enfoque, una
obra de arte, o de poesía, no es principalmente una imitación, sino la expresión de las emociones, o
del proceso sentimental o imaginario del artista. El principal criterio de dicho enfoque es, en
consecuencia, no ya la verdad, en el sentido de una...