Diseño Cuerpo y espíritu

EDUARDO
HERRERA FERNÁNDEZ
Diseño: cuerpo y espíritu

Es innegable que a lo largo de toda su historia el Diseño ha mantenido
una relación de amor y odio con el Arte. Y esto aún hoy en día se puede
comprobar y experimentar desde un sentimiento característico de déjà
vu —cuando no de aburrimiento—, en los diferentes ámbitos donde el
Diseño puede intervenir, ya sean centros educativos, exposiciones,críticos,
vendedores y consumidores, o efectivamente también entre diseñadores y
artistas. No hay congreso, conferencia, publicación… sobre el Diseño en el
que no surja, irremediablemente, la cuestión de su vinculación con el Arte.
Una de las razones fundamentales de este debate es la sensación de una
consideración del Diseño en algo así como un «hijo del Arte», bien porque
una buena parte de laformación de los diseñadores se ha realizado en
escuelas de Arte, o bien porque muchos diseñadores practican regularmente
ambas actividades. Bajo estas premisas se entiende mejor por qué el
Diseño, para su definición, haya tenido tradicionalmente que diferenciarse
del Arte, construyendo su identidad por comparación y negación. Este
aspecto no es sino una confirmación más de que la exaltación delos
opuestos es, ante todo, la búsqueda desesperada de autonomía.
Por otra parte, es lógico que en esta cuestión que se plantea sea
difícil que se vislumbre su fin, y menos para llegar a una conclusión
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satisfactoria para todos, dependiendo de los diferentes contextos en los
que se debata. Evidentemente, la relación Arte / Diseño parece que
sigue necesitando de«necesarias aclaraciones innecesarias». Y como
siempre en estos casos, comenzaremos con una disquisición histórica
más sobre algunos hechos fundamentales que han conducido a una
concepción distanciada, cuando no irreconciliable, entre el Arte y el
Diseño. Desde esta consideración podemos encontrar en la Edad Media
cómo el vocablo latino «ars» traducía el concepto griego de «téchne»,
conservando elsignificado original de una forma de aprendizaje
especializado, un hacer con conocimiento propio del intelecto práctico
del «saber hacer» que operaba en el oficio del constructor de objetos
o «artiflex», manteniendo la unidad entre «belleza» y «utilidad» en su
«arte mecánico». Será decididamente en los finales del Renacimiento
cuando se inicie un proceso de «fragmentación moderna» que tenderá
a separar«mente» y «cuerpo» y que acompañará en primer lugar a la
pintura y luego a la escultura, para agruparlas con las artes liberales
—intelectuales— y separadas de las artes mecánicas —manuales—.
Tengamos en cuenta que un objeto como «La Gioconda» no era un
«cuadro» en el sentido que hoy podemos reconocer, sino un retrato
encargado por un funcionario florentino para preservar el recuerdo de su
esposa,tal y como era costumbre en la era pre fotográfica.

FIG.

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Leonardo da Vinci era considerado por
algunos letrados humanistas como un
trabajador del arte mecánico; un arte
—con minúscula— mucho más dilatado
de lo que hoy en día podemos reconocer a
través del término Bellas Artes, y en
donde se conjugaba una expresión
primordial de la belleza —Gioconda—
con concreciones esenciales de una
utilidadpráctica —proyectos de máquinas
de guerra—. El valor artístico dependía de
otras utilidades primarias del objeto, con
las cuales aparecía unido.

FABRIKART

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Esta segregación afectó al concepto de «belleza pura» de las artes
mecánicas considerándolas desde entonces como predominantemente
«utilitarias» y con una consideración de la belleza como «aplicada» o
adherida a las producciones de usopráctico. Evidentemente, la estética
—término acuñado por primera vez durante el período de la Ilustración—
no contemplará en sus inicios lo vinculante de lo-ético «utile», lo-bueno
«bonum» o lo verdadero «verum» con lo-bello, adherente u anexo «aptum».
Si en la Edad Media se tendía a la identificación en los objetos de uso
entre «aptum» y «utile», resultado de la ecuación «decorum» y «bonum»,...